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jueves, 18 de octubre de 2018

ESPECIAL CICLO RANOWN (1)



Por Jesús Cendón.

Con el curioso nombre de ciclo Ranown se conoce al conjunto de siete wésterns dirigidos por Budd Boetticher e interpretados por Randolph Scott entre 1956 y 1960. La denominación se tomó de la productora fundada por el actor y por el productor Harry Joe Brown bautizada de esa forma al tomar las tres primeras letras del nombre del intérprete y las tres últimas del apellido del productor. Sin embargo, la pareja tan sólo produjo, contando con la distribución de la Columbia, cinco de los siete wésterns y tan sólo en los dos últimos aparece como tal la productora. En cuanto a los otros dos filmes, cabe señalar que el primero de la serie fue un proyecto de la Batjac de John Wayne, mientras que en el quinto, quizás el menos Ranown de todos, se implicó la Warner Brothers.


En todo caso las películas presentan unas características comunes y fueron el fruto de la unión artística de Randoplh Scott y Bud Boetticher cuya primera colaboración databa de 1943 con “Los desesperados”, filme de Charles Vidor en el que Boetticher ejerció como ayudante de dirección y contó, precisamente, con la producción de Harry Joe Brown para la Columbia.

Detengámonos pues, aunque someramente, en la carrera cinematográfica de los creadores de esta serie de wésterns.


Si a algún actor se le puede calificar como estrella del wéstern serie b es sin duda a Randolph Scott (1898-1987). Interprete con evidentes limitaciones, buscó a lo largo de su fructifera carrera a directores que se adaptaran a su forma de actuar, por lo que su trayectoria cinematográfica se caracteriza por los distintos ciclos de películas en los que formó tándem con un único realizador. Así rodó bajo la ordenes de Henry Hathaway siete películas entre 1932 y 1934; con Ray Enright cinco en el período 1942-1948, siendo la más recordada “Los usurpadores” que le reunió con Marlene Dietrich y John Wayne; otros siete fueron los títulos rodados con Edwin L. Marin entre 1946 y 1951, entre los que destacan “Colt 45” y “Fort Worth”; mientras que con André De Toth colaboró en seis ocasiones en apenas cuatro años (1951 a 1954), siendo el resultado filmes de la calidad de “Carson City”, “La última patrulla” o “El cazador de recompensas”.

Budd Boeticher (1916-2001), al igual que otros directores como Sam Fuller, se caracterizó por su inconformismo y la defensa a ultranza de su independencia. Era un auténtico aventurero y hombre de acción que practicó el rugby, el boxeo e, incluso, ejerció como torero profesional en México (1). Una vez instalado en Hollywood no dudó en cuestionar el sistema impuesto por las major y se vio relegado a producciones de bajo coste.

No creo que se le pueda comparar con los grandes directores del género pero lo que sí pienso que se puede afirmar sobre sus wésterns es que fueron fundamentales para el desarrollo y evolución del género, situándole en un estadio intermedio entre los clásicos y los directores más modernos como Sam Peckinpah y Clint Eastwood en EEUU o Sergio Leone en Europa.

Junto al ciclo Ranown, que le valió el reconocimiento de la crítica francesa con un entusiasta André Bazin a la cabeza aunque no tanto en los EEUU, Boetticher rodó tres wésterns notables en la década de los cincuenta: “Horizontes del Oeste” (1952), una historia cainita ambientada en los EEUU inmediatamente después de la Guerra de Secesión que contó con un gran trabajo de Robert Ryan; “Traición en Fort King” (1953); original wéstern ambientado en Florida con los indios seminolas como protagonistas en la que volvió a colaborar como en la película anterior con Rock Hudson además de con su amigo Anthony Quinn; y “El desertor de El Álamo” (1953), un wéstern profundamente moral protagonizado por Glenn Ford (2).

Junto a Scott y Boetticher otros dos nombres fueron decisivos en el ciclo.

Por una parte el citado Harry Joe Brown (1890-1972), amigo personal de Randolph Scott desde la década de los treinta, con el que fundó primero la Scott-Brown Production y posteriormente la Ranown, además de ser el responsable de la mayoría de los wésterns rodados por el actor para la Columbia (3).

Y por último, el guionista Burt Kennedy (1922-2001) que colaboró en cuatro de los siete títulos del ciclo (para mí los mejores). Extraordinario escritor, además de los libretos para los filmes del ciclo, escribió los guiones de dos de los tres wésterns dirigidos por Gordon Douglas con un Clint Walker en pleno apogeo (4) como protagonista (“Quince balas” de 1958 y “Emboscada” de 1959), y el de “Seis caballos negros” (Harry Keller, 1962), uno de los mejores wésterns protagonizado por Audie Murphy que presenta semejanzas con las películas integradas en el ciclo Ranown, sobre todo con “Estación Comanche”.

A comienzos de los sesenta comenzará a dirigir tanto sus propios guiones como los de otros escritores, pero sus filmes como realizador, a pesar de contar con estrellas de la talla de John Wayne, Robert Mitchum, Kirk Douglas o Henry Fonda, adolecen de irregularidad; no estando generalmente bien compensadas las escenas drámaticas y las cómicas en la mayoría de sus wésterns, de entre los que sin duda sobresale “Ataque al carro blindado” (1967).

Pero volvamos a las películas objeto de esta reseña e intentemos desentrañar los elementos comunes existentes en la mayoría de ellas.


- Son producciones modestas, de escaso presupuesto si bien asociados a las mismas figuran grandes técnicos. Nos encontramos por tanto con los comúnmente denominados wésterns de serie b y de hecho fueron acogidos con mayor entusiasmo en Europa que en los EEUU. Como consecuencia de las limitaciones presupuestarias los filmes se caracterizan por su austeridad y concisión narrativa. Así, son películas que introducen la historia de forma directa, sin preámbulos salvo alguna excepción como “Los cautivos”, en las que parece no sobrar nada y que contienen los planos indispensables, como si Boetticher hubier aprendido la lección recibida de John Ford con “El torero y la dama” (5). Igualmente debido a los exiguos presupuestos manejados, incluso Randolph Scott rebajó enormemente su caché, los filmes se rodaron en tiempo record, dos o tres semanas, y su duración no llega a los ochenta minutos; además de contar con escasas localizaciones.


- Los mejores títulos de la serie son wésterns de itinerario al narrar la historia de un viaje (6), tanto físico como moral, en el que la naturaleza juega un papel fundamental; de tal forma que las películas del ciclo Ranown se identifican con el paisaje rocoso de Lone Pine en California al igual que el cine de Ford quedó definitivamente ligado al Monument Valley.


Como excepción nos encontramos con “Cita en Sundown” y “Buchanan cabalga de nuevo” al tratarse de wésterns urbanitas. En estos filmes, frente a la pureza de la naturaleza, se nos muestra una sociedad corrupta controlada y sojuzgada por oligarcas que ejercen su poder de forma despótica. En ambos casos el protagonista, aunque le muevan intereses personales y sea de forma involuntaria, se convertirá en el revulsivo para acabar con esta situación.


- La mayor parte de los wésterns que componen el ciclo son historias que abordan temas como la venganza (7), la codicia ligada a la pobreza, la imposibilidad de recuperar un pasado perdido, la búsqueda a menudo imposible de la redención, el peso de un pasado trágico como condicionante del presente o la delgada línea que separa el bien del mal en un marco geográfico hostil. Temas en los que está presente el gusto por la tragedia por parte de Boetticher, dotando a los filmes de cierto aire crepuscular al que contribuyó, por su edad, el propio Randolph Scott.


Al mismo tiempo, al desarrollar estos temas, el director nos da una visión profundamente escéptica e incluso, en alguna películas, pesimista del Far-West y por extensión del ser humano.

Estamos, por tanto, ante películas reflexivas en las que son tan importantes las escenas de acción como aquellas en las que conversan los protagonistas, a través de las cuales conoceremos su forma de pensar, sus deseos, sus anhelos y las razones que motivan su comportamiento.


- Como consecuencia de esta visión y de las cuestiones tratadas, los principales personajes suelen ser complejos, cargados de matices y en absoluto estereotipados.

El protagonista es un hombre solitario (8), individualista, con un pasado que lo atormenta y cuya forma de actuar se debe a oscuras motivaciones, Nos encontramos ante un individuo hosco, lacónico, a veces desagradable e, incluso, en algunos filmes como “Cita en Sundown” con graves desequilibrios sicológicos. Un hombre que, probablemente, nunca hallará de forma definitiva la paz y que en varios de los wésterns integrantes de este ciclo vivirá anclado en el presente, con un pasado perdido irremediablemente, sin ningún futuro y condenado a vagar de forma errática el resto de sus días.

Igual de atípicos suelen ser los antagonistas del héroe. Personajes a los que Boetticher se esfuerza por entender, humanizándolos ante nuestros ojos al presentárnolos como, al igual que el protagonista, víctimas de una época y un país salvajes y violentos. De esta forma, Boetticher se esmera en mostrarnos las motivaciones de su comportamiento y en darnos a conocer su perfil más delicado; asi como sus temores, sus dudas y sus debilidades. Tal es así que incluso en dos filmes de la saga Boetticher permite que permanezcan con vida (9). 



Por último, los personajes femeninos se suelen caracterizar por su fortaleza y son fundamentales, con su ausencia o su presencia, para el desarrollo de la trama.

Para finalizar con respecto a las reseñas de las películas integrantes de este ciclo os comento que he respetado el orden de su estreno; aunque conforme señaló Boetticher en una entrevista publicada en Nickel Odeon el orden correcto sería el siguiente: “Tras la pista de los asesinos”, “Cita en Sundown”, “Los cautivos”, “Nacida en el Oeste”, “Buchanan cabalga de nuevo”, “Cabalgar en solitario” y “Estación Comanche”.




(1) Su pasión por la tauromaquia la plasmó en tres filmes: “Bullfighter and the lady” (1951), también producido por la compañía de John Wayne y recientemente editado en DVD, en el que precisamente narraba la historia de un torero norteamericano en México interpretado por Robert Stack; “Santos el Magnífico” (1955) que, protagonizado por Anthony Quinn, relataba la relación entre dos toreros, uno veterano y experimentado y otro joven e inexperto; y “Arruza” (1972) biografía novelada del gran torero Carlos Arruza en la que invirtió siete años y fue un auténtico desastre, marcando el declive definitivo de su carrera. Curiosamente su primer trabajo en Hollywood fue el de asesor, sobre todo de Tyrone Power, en “Sangre y arena”, drama ambientado en el mundo de los toros dirigido por Rouben Mamoulian en 1941.

(2) Boetticher también destacó en otros géneros, sobre todo en el noir con dos grandes filmes: “El asesino anda suelto” (1956), mixtura entre el noir y el thriller que contenía una descarnada reflexión sobre el American Way of Life; y “La ley del hampa” (1960), uno de sus mejores filmes comparable en calidad con los más destacados del ciclo Ranown, sobre el gánster Jack “Legs” Diamond.

(3) La presencia de Harry Joe Brown en el ciclo parece que fue testimonial. Incluso la Columbia quiso prescindir de él, hecho al que se negaron tanto el actor como el director.

(4) Con sus casi dos metros de altura, el actor Clint Walker gozó de gran popularidad gracias a la serie “Cheyenne” de la que se rodaron 108 episodios entre 1955 y 1962. Dentro de este género también se le pudo ver protagonizando tres películas firmadas por Gordon Douglas, las dos citadas anteriormente más la inédita en España “Oro de los Siete Santos” (1961), y las muy inferiores “Tierra de alimañas” (Joseph Pevney, 1966), “Más muerto que vivo” (Robert Sparr, 1962), “Sam Whisky” (Arnold Laven, 1969) y el eurowéstern “El desafío de Pancho Villa” (Eugenio Martín, 1972).

(5) Para este filmé Boetticher contó como montador de lujo con John Ford quien cortó aproximadamente cien metros de película, el equivalente a unos cuarenta minutos.

(6) Según afirmaba Boetticher: “La mejor manera de conocer el lejano Oeste es viajando a través del mismo.”

(7) El propio Boetticher manifestó que sus películas con Randolph Scott contaban la misma historia con pequeñas diferencias, la búsqueda por parte de un hombre del asesino de su mujer.

(8) En varios de los wésterns el director remarca la soledad e insignificancia del héroe presentándonoslo en una primera escena mediante una panorámica que nos lo muestra cabalgando y sin compañía. Incluso el título de dos filmes de la serie hace hincapié en este hecho: “Buchanan rides alone” y “Ride lonesome”. Para algunos críticos tanto la soledad como la fragilidad de los protagonistas del ciclo Ranown simbolizarían la situación de Boetticher frente a la industria cinematográfica de los EEUU.

(9) El personaje interpretado por Pernell Roberts en “Cabalgar en solitario” fallecía en su enfrentamiento con el héroe en el libreto escrito por Burt Kennedy, pero Boetticher cambió el final argumentando que un forajido tan concienciado por conseguir el indulto y cambiar su forma de vida se merecía una segunda oportunidad. Mientras que en “Cita en Sundown” Tate Kimbrough, interpretado por John Carroll, tan sólo fue uno más de los amantes de la fallecida esposa de un desequilibrado Bart Allison por lo que no se le podía culpar del suicidio de esta y conseguía salvar su vida in extremis gracias a la intervención desesperada de Ruby, su actual “amiga”. 

jueves, 12 de julio de 2018

ESPÍRITU DE CONQUISTA

(Western Union, 1941)

Dirección: Fritz Lang
Guion: Robert Carson

Reparto:
- Robert Young: Richard Blake
- Randolph ScottVance Shaw
- Dean JaggerEdward Creighton
- Virginia GilmoreSue Creighton
- John CarradineDoc Murdoch
- Slim SummervilleHermann
- Chill WillsHommer
- Barton McLaneJack Slade
- Russell HicksGovernor

Música: David Buttolph
Productora: Twentieth Century Fox Film Corporation. (USA)

Por Jesús Cendón. NOTA: 7.

“Mira lo que me ha dado, un reloj y una cadena” “Sí, pero qué hace con un reloj un tipo como tú que se acuesta al anochecer y se levanta al amanecer” “Bueno, queda muy bonito puesto y además suena bien”. Conversación entre los dos trabajadores de la posta tras haber recibido uno de ellos el reloj de Edward Creighton en agradecimiento a sus cuidados.


Hablar de Fritz Lang es referirse a uno de los mejores realizadores de la historia del cine. Nacido en Austria, desarrolla su primera etapa como director en Alemania en donde, junto con Murnau, se convertiría en el mayor representante de la corriente expresionista gracias a filmes fundamentales como “Los nibelungos” de 1924 (reconstrucción de un pasado mítico), “Metrópolis” de 1927 (fantasía futurista) y, ya durante la etapa sonora, “M, el vampiro de Dusseldorf” ( 1931) con un Peter Lorre encarnando a la maldad humana.


Tras rechazar el ofrecimiento de Joseph Goebbels de convertirse en el director de la UFA (el estudio cinematográfico más poderoso de Alemania), cargo que desempeñaría posteriormente Leni Riefensthal, emigraría a los EEUU, país en el que desarrollaría su segunda etapa y, al igual que Ernst Lubitch con la comedia, se convertiría en un elemento fundamental en la codificación tanto temática como estilística del cine negro. Quizás por la adsripción de sus películas al cine de género, durante bastante tiempo su trabajo en Estados Unidos fue desdeñado hasta ser definitivamente reivindicado y valorado en su justa medida por la crítica francesa.


Lang, a pesar de brillar en el noir con el que incluso presenta varios elementos en común su ciclo de películas antinazis, pronto se vio atraído por la mitología y la ética del Far-West rodando a principios de la década de los cuarenta dos wésterns, “La venganza de Frank James” (1940), segunda parte de “Tierra de audaces” (Henry King, 1939), y la película que nos ocupa; a las que se añadió una década más tarde, para completar su aportación al género, “Encubridora” (1952), su mejor cinta del Oeste en la que subvertía el tradicional papel de la mujer en este género, además de combinar magistralmente el wéstern con el cine de suspense e introducir un elemento novedoso en esta categoría de filmes a través de la canción “Chuck a luck”, mediante la cual narra los acontecimientos a medida que van sucediendo en la película.


ARGUMENTO: La compañía Western Union encarga al ingeniero Edward Creighton dirigir la instalación de una línea de telégrafos desde Omaha (Nebraska) a Salt Lake City (Utah). Una empresa peligrosa, sobre todo por la amenaza de los bandoleros y los pieles rojas, para la que contará con el apoyo de Vance Shaw, un exforajido, y Richard Blake, un dandy del este con hambre de aventuras. Ambos, además, rivalizarán por el amor de Sue, la hermana de Edward, lo que complicará aún más el resultado de la operación.


Si en su primer wéstern, también en Tehcnicolor y producido por la 20th Century Fox, Lang nos introdujo en la mitología del oeste a través de los hermanos James, Jesse y Frank; con esta película, en la que adaptó libremente una novela del especialista Zane Grey, se adentró en una de las páginas ilustres de la historia de los EEUU durante la segunda mitad del siglo XIX que simboliza el espíritu de sacrificio y el afán de superación del pueblo norteamericano, la construcción de la primera línea telegráfica transoceánica por la compañía Western Union a comienzos de la Guerra de Secesión.


Rodada pocos meses antes de la entrada de los EEUU en la II Guerra Mundial, nos encontramos con una película de exaltación patríotica sobre la construcción del país que entroncaría con la ya reseñada en el blog “Union Pacific” (Cecil B. De Mille, 1939) y en la que el ferrocarril es sustituido por el telégrafo como elemento fundamental para el desarrollo, la modernización y la unificación de la nación.


Sin embargo, el enfoque dado por Lang es muy diferente al de DeMille, ya que el director centroeuropeo, sin olvidar el espectáculo y el carácter épico de la empresa, nos va a ofrecer un filme desprovisto de toda solemnidad y más intimista en el que desarrolla varios temas comunes en su filmografía: la lucha de un individuo contra un ambiente adverso; la fatalidad, con el protagonista prisionero de su propio destino del que no puede escapar; y la delgada línea que separa el bien del mal.



La película cuenta con un prólogo fantástico en el que se nos ofrece información fundamental para conocer la personalidad de Vance Shaw, forajido encarnado por un Randolph Scott que iniciaba su periplo para convertirse en uno de los mayores iconos de este género. Así inicialmente se le ve contemplado una manada de bisontes, especie tan amenazada como el tipo de individuos que representa Vance, aquellos que hicieron de su habilidad con el revólver su medio de vida. Para a continuación, y a pesar de estar perseguido por el sheriff y sus ayudantes, socorrer a un hombre malherido. El encuentro marcará a ambos personajes ya que el herido no es otro que Edward Creighton, ingeniero encargado de tender la primera línea de telégrafo transcontinetal en los EEUU. Creighton desde el primer momento apostará por Shaw y le brindará la posibilidad de regenerarse contratándolo y posteriormente nombrándolo capataz. Pero la fatalidad perseguirá al expistolero y el pasado, representado en su hermano empeñado en boicotear la construcción de la línea telegráfica, le impedirá redimirse. Estamos pues ante un personaje trágico que se debatirá entre dos lealtades, a su trabajo con la Western Union y a su hermano, y que asumirá de forma dramática su infortunada condición, como se pone de manifiesto en la conversación mantenida con Sue en la que le comenta: “Debería haberte conocido hace dos años”, para, a continuación, confesar que: “Desde entonces he cometido varios errores” y por último afirmar que los errores  no siempre pueden corregirse.
Vance, por tanto, es un antihéroe, representante de un mundo en declive, que no será capaz de sobrevivir a los cambios impuestos por la modernización y el avance tecnológico. Estamos, pues, ante un personaje condenado a la extinción y profundamente moderno en su concepción que se anticipa en casi a una década a los desarrollados en wésterns como “El pistolero” (Henry King, 1950) o “Raíces profundas” (George Stevens, 1953).


Como contrapunto a la figura de Vance se encuentra Richard Blake, un personaje similar al que interpretó el propio Robert Young un año antes en “Paso al noroeste” (King Vidor). Nos encontramos con una persona de modales refinados, exquisita educación y amplia cultura que, aunque inicialmente parezca un petimetre cuyo padre le ha mandado al Oeste para “hacerle un hombre” y demuestre tener una visión estereotipada del Far-West, representa la modernidad y, por tanto, está preparado para adaptarse a los cambios que sufrirá el país. Será, en definitiva, el tipo de hombre que en un futuro casi inmediato, caracterizado por el rápido avance científico y técnico, sustituirá a las personas como Vance.


Lástima que este entramado argumental tope con un guion bastante tópico, que el propio Lang quiso modificar de forma infructuosa, en el que se introducen una serie de subtramas carentes de interés, como el triángulo amoroso conformado por Vance, Richard y Sue; así como, continuas escenas cómicas protagonizadas por el cocinero de la expedición, encarnado por Slim Summerville, que desvían la atención del espectador sobre la trama principal y aligeran innecesariamente el tono amargo del filme.


El resultado es una película que carece de la progresión dramática adecuada, en la que se van sucediendo las distintas escenas sin una clara conexión y en la que no se tiene la sensación ni del paso del tiempo ni del enorme esfuerzo que la empresa requirió por parte de sus protagonistas.



Pero a pesar de ello, Lang se las arregla para ofrecernos una serie de secuencias muy difíciles de olvidar en las que deja patente sus virtudes cinematográficas. Así junto con el magnífico y simbólico prólogo anteriormente reseñado, hay que añadir la escena del ataque indio en la que destaca el sorpresivo plano de uno de los trabajadores colgando de un poste de telégrafo atravesado por una flecha; el espectacular incendio provocado por el hermano de Shaw, un adecuado Barton McLane, en el que el fuego simboliza el infierno interior vivido por el protagonista; la presentación de los pieles rojas con un extraordinario y rápido movimiento de cámara; y, sobre todo,el excelente, triste y atípico final, en el que de nuevo juega un papel importante el fuego, pero en esta ocasión como elemento purificador. Asi, un Vance con las manos quemadas (idea que pudo influir en dos de los spaghettis más renombrados de Sergio Corbucci, “Django” y “El gran silencio”, en los que el antihéroe se enfrentaba a sus rivales con las manos destrozadas) decide acabar con su hermano y sus secuaces. Secuencia que se inicia con la cámara situada en el interior de la barbería enfocando a través del amplio ventanal la llegada de Vance, para a continuación Lang utilizar la cámara subjetiva con el objeto de que, al igual que el protagonista, el espectador conozca la situación exacta de cada uno de los pistoleros y culminar, una vez consumado el tiroteo, con un bellísimo primer plano de la mano vendada de Vance cayendo inerte desde el alfeizar de la ventana en el que la tenía apoyada para inmediatamente después enfocar su cuerpo sin vida, y todo ello con un silencio sobrecogedor. Escena que el director empalma con un plano de arrebatadora belleza y lirismo conmovedor en el que vemos, en el ocaso del día, la tumba de Vance para a continuación elevar la cámara con la grúa y mostrarnos los postes de telégrafo; plano magistral y claro homenaje a la figura de Vance Shaw, símbolo de todos aquellos que se sacrificaron para que el país avanzase, se modernizase y civilizase.


“Espíritu de conquista”, a pesar de no ser una película perfecta, es enormemente moderna y, sin duda, sus virtudes son muy superiores a sus defectos, lo que la convierte en un wéstern recomendable para todo aficionado al género; además de dejar patente, aunque de forma intermitente, el talento narrativo y la impronta visual de uno de los mayores genios del séptimo arte que abordó con un absoluto respeto este género porque comprendió que el wéstern para los norteamericanos era a la vez historia, religión y mito sobre su fundación y como tal lo trató.



domingo, 20 de diciembre de 2015

DUELO EN LA ALTA SIERRA

(Ride the Hight Country) - 1962
Dirección: Sam Peckinpah
Guión: N. B. Stone Jr.

Intérpretes:
- Randolph Scott: Gil Westrum
- Joel McCrea: Steve Judd
- Mariette Hartley: Elsa Knudsen
- Ron Starr: Heck Longtree
- Edgar Buchanan: Judge Tolliver
- R. G. Armstrong: Joshua Knudsen

Música: George Bassman
Productora: Metro Goldwyn Mayer
País: Estados Unidos


Por: Xavi J. Prunera. Nota: 9

Steve Judd: "En algún lugar del camino, olvidaste que eras mi amigo".

“El western es la vida” me comentaron en cierta ocasión. Y aunque no recuerdo cuando ni quién pronunció tan lapidaria sentencia, debo admitir que es verdad. Una verdad como un templo. Porque todo, absolutamente todo y más, podemos encontrarlo en un buen western. Sobre todo si es tan sobrio y maduro como “Duelo en la alta sierra”. Sin lugar a dudas, la primera -pero no por ello menos importante- obra maestra de Sam Peckinpah. El hombre que recogió el testigo del western clásico de los Ford, Hawks o Mann y lo dotó de una poética mágica, melancólica, sublime. Una poética sin igual.



Yo, por lo menos, soy un fanático del western gracias a Sam. Y a Leone, claro. Pero creo que fue mi tardío y crucial descubrimiento de la obra de Sam Peckinpah lo que, definitivamente, contribuyó a inclinar mi balanza. Una balanza en la que el western pasó de ser uno de mis géneros favoritos a mi género favorito. Por antonomasia. Y todo ello gracias a su poética. Una poética que contempla con nostalgia esa cándida y lírica visión del oeste y la coteja, constantemente, con una realidad muy diferente. Quizás no tanto desde una perspectiva cronológica pero sí desde la perspectiva íntima y particular de unos personajes que se encuentran ya en el ocaso de sus vidas.


En este caso, dos viejos amigos curtidos en mil y una batallas, cuya filosofía existencial sintetiza -a la perfección- esa eterna dialéctica entre los viejos tiempos y el controvertido “progreso” que siempre planeó sobre la obra de “Bloody Sam”.


Y aunque los que me conocéis ya sabéis de sobra que no suelo pormenorizar demasiado en mis críticas permitidme -esta vez- que me explaye destripando el final de esta peli. Fundamentalmente porque, como ya han advertido otros antes que yo, el cine de Peckinpah es riquísimo en matices. Y “Duelo en la alta sierra”, por descontado, no podía ser menos.


Me gustaría destacar, por ejemplo, el travelling hacia atrás por el que opta Peckinpah para mostrarnos -en un ligero contrapicado- el avance a paso firme de los personajes interpretados por Joel McCrea y Randolph Scott en el duelo final ante los Hammond.


Un sincronizado y ceremonioso recorrido ante una verdadera lluvia de balazos que no tan sólo contribuye a enfatizar su incuestionable carácter épico sino que, a mi juicio, constituye una emotiva muestra de admiración y respeto hacia dos hombres de otra raza, de otra casta, de otra época. Dos hombres que -en el crepúsculo de su tránsito terrenal- seguirán respetando hasta su último aliento esos códigos de honor (la amistad, en este caso) que hicieron del lejano oeste un legendario territorio en el que, inexorablemente, la muerte tenía un precio.

(Reseña publicada por Xavi J. Prunera en FilmAffinity el 2-9-10)

TRAILER