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lunes, 11 de diciembre de 2017

EL ÚLTIMO ATARDECER

(The last sunset, 1961)

Dirección: Robert Aldrich
Guion: Dalton Trumbo

Reparto:
- Rock Hudson: Dana Stribling
- Kirk DouglasBrendan “Bren” O’Malley
- Dorothy MaloneBelle Breckenridge
- Joseph CottenJosh Breckenridge
- Carol LynleyMelissa “Missy” Breckenridge
- Neville BrandFrank Hobbs
- Regis ToomeyMilton Wings
- Jack ElamEd Hobbs
- Adam WilliamsCalverton

Música: Ernst Gold
Productora: Bryna Production (USA)

Por Jesús Cendón. NOTA: 7,5

"Es difícil odiar a una persona cuando la conoces” (Dana Stribling conversando sobre Brendan O’Malley con Belle Breckenridge antes de acudir al duelo).


Durante la época dorada de Hollywood la industria cinematográfica estuvo dominada por las grandes productoras, las denominadas “major”. Controlaban todas las etapas de la producción desde sus primeras fases hasta la distribución en salas de su propiedad. Incluso a sus grandes estrellas, con contratos exclusivos y a pesar de los sueldos astronómicos y el trato exquisito recibido, les imponían los filmes en los que debían participar y el tipo de personaje a interpretar.


Esta forma de concebir el cine originó una reacción, tanto por parte de directores como de actores, tendente a escapar del despotismo de los magnates de las grandes productoras mediante la creación de compañías independientes con las que controlar sus carreras cinematográficas. Así, por ejemplo, Frank Capra, William Wyler y George Stevens fundaron tras volver de la Segunda Guerra Mundial la efímera Liberty Films; John Ford la Argosy Pictures, con la que rodaría, entre otras, su Trilogía sobre la caballería; John Wayne la Batjac (nombre de la empresa comercial de “La venganza del Bergantín”-Edward Ludwig, 1948-) o Burt Lancaster, en honor a su mujer, la Norma Productions y más tarde, también junto a Harold Hecth y James Hill, la Hill-Hecht-Lancaster.


Kirk Douglas, un actor con inquietudes y fuerte personalidad, fundó, igualmente, su propia productora con el nombre de su madre, la Bryna Production, con la que desde mediados de la década de los cincuenta se embarcó en distintos proyectos de gran calidad como “Senderos de gloria” (Stanley Kubrik, 1957), “Los vikingos (Richard Fleischer, 1958), o “Espartaco” (Stanley Kubrik, 1960); películas en la que su implicación, desde el punto de vista artístico, fue total.


ARGUMENTO: Brendan O’Malley, un forajido perseguido por el sheriff Dana Strebling, llega al rancho situado en México de Josh Breckenridge casado con su antiguo amor, Belle. Ambos, perseguidor y perseguido, aceptarán el ofrecimiento de Breckenridge consistente en llevar su ganado a Texas y pospondrán su enfrentamiento hasta la entrega de este. La situación se complicará con el asesinato de Breckenridge, el paulatino acercamiento entre Dana y Belle y la creciente atracción de “Missy” por Brendan.


“El último atardecer” fue la tercera incursión de Douglas como productor en el wéstern tras las exitosas “Pacto de honor” (André De Toth, 1955) y “El último tren de Gun-Hill (John Sturges, 1959); y. para la ocasión se rodeó de un grupo de grandes colaboradores.


Así encargó la dirección a Robert Aldrich que había ofrecido un rendimiento altísimo en dos wésterns producidos e interpretados por su amigo Lancaster (“Apache” y “Veracruz”). En esta ocasión, aunque no consigue mantener la misma intensidad a lo largo de todo el metraje (sobre todo en el viaje transportando el ganado con la resolución algo precipitada de determinadas situaciones) y demuestra cierto desinterés por la historia de amor entre Dana y Belle, nos obsequia con grandes escenas difícilmente olvidables, como la del reencuentro entre Brendan y Belle, la correspondiente a la humillación de Josh Brekenridge en un saloon fronterizo, la relativa a la última noche entre Brendan y “Missy” de un acentuado lirismo y en la que las palabras de despedida tienen un distinto significado para ambos enamorados y, sobre todo, el gran duelo final; un prodigio de dirección y montaje, con imágenes simultaneas de los cuatro protagonistas involucrados física y emocionalmente; superior, incluso, al ofrecido en “Veracruz”. Me atrevería a decir que es uno de los mejores enfrentamientos cara a cara rodados por un director de wéstern clásico, en el que consigue mantener la incertidumbre de su desenlace hasta el final; además de agigantar la figura de O’Malley, al asumir, con una enorme dignidad, esos últimos pasos que le acercan irremediablemente al final de su camino.


Profundamente liberal, Douglas volvió a contar como guionista, tras su colaboración en “Espartaco”, con Dalton Trumbo; uno de los Diez de Hollywood (lista negra confeccionada durante la caza de brujas por el senador McCarthy) con objeto de reivindicarlo y rehabilitarlo, para lo que, al igual que en la película citada, el escritor apareció con su nombre verdadero en los títulos de crédito. Trumbo escribió una auténtica tragedia clásica en el lejano Oeste con un hecho escabroso como detonante del drama final. Una historia que carece de verdaderos héroes y protagonizada por unos personajes profundamente golpeados por su pasado:


Brendan es un inadaptado, un marginado capaz de vagar sin rumbo fijo y con un solo objetivo: recuperar al gran amor de su vida. Un hombre anclado en el pasado e incapaz de evolucionar, con una personalidad compleja y contradictoria. Un personaje con incierto presente y escaso futuro que se nos muestra como una persona sensible (escribe poesías, protege un nido de las pisadas de los caballos), romántica y seductora; pero a la vez tendente a estallidos de violencia incontrolados. De hecho Belle le dirá: “A ti no te gusta la tranquilidad, Bren. Siempre llevas la tempestad donde vas”.


Belle es una mujer cuyos sueños de juventud se truncaron por su encuentro con Bren. Así, a pesar de haber pertenecido a la aristocracia de Richmond, ha terminado aceptando un matrimonio de conveniencia y viviendo en un rancho perdido en México.


Dan persigue incansablemente a Brendan, no tanto por hacer justicia como por satisfacer sus deseos de venganza, ya que el pistolero es el responsable de la muerte de su cuñado y del suicidio de su hermana. Este hecho le llevará, incluso, a viajar México en donde carece de jurisdicción. Hombre solitario, perdió en la guerra a su mujer y a sus dos hijas, parece que su único objetivo vital es atrapar a O’Malley.


Por último, Josh es un hombre débil y alcoholizado al no haber podido superar un acto de cobardía protagonizado durante la Guerra de Secesión.

Para interpretar a estos complejos personajes el productor contó con un gran reparto.


Como protagonista, a pesar de ser su papel más corto y menos atractivo, figura Rock Hudson. La Universal, distribuidora del filme, le impuso al actor a Kirk Douglas, así como su posición en primer lugar en los títulos de crédito dada su popularidad en ese momento. Rock Hudson cumple en un personaje bastante desagradable por su inflexibilidad y deseo de venganza. No obstante, pienso que el papel hubiera necesitado de un actor con mayor presencia como, por ejemplo, Burt Lancaster, Robert Mitchum o Robert Ryan. Interpretes con mayor capacidad para dar la réplica a Kirk Douglas.


Este se reservó el mejor papel. Un hombre torturado, personaje típico en su carrera, que le permitió lucirse exhibiendo una infinidad de sentimientos, desde el amor al odio pasando por la desilusión, la desesperación o la violenta locura. Mostrando un gran abanico de registros interpretativos siempre al borde del histrionismo. Incluso se luce en dos temas cantados, uno de ellos interpretado en castellano.


Dorothy Malone está esplendida como Belle, papel inicialmente pensado para Lauren Bacall, actriz de una mayor elegancia y belleza pero carente de la carnalidad que requería el papel; mientras que Joseph Cotten hace una gran composición como el derrotado esposo de la anterior, y Carol Lynley, con su cara angelical, era una actriz muy adecuada para interpretar a la dulce e inocente “Missy”, con la que Brendan intentará recuperar un pasado que pudo ser pero nunca fue.


En definitiva, “El último atardecer” es un drama profundamente romántico travestido en wéstern, que, sin abandonar los códigos de este género, constituye, a pesar de su irregularidad, una de sus propuestas más originales en la década de los sesenta.




jueves, 12 de octubre de 2017

VERACRUZ

(Vera Cruz, 1954)

Dirección: Robert Aldrich.
Guion: Roland Kibbee y James R. Webb.

Reparto:
Gary Cooper: Benjamin Trane
Burt Lancaster: Joe Erin
Denise Darcel: Condesa Marie Duvarre
Cesar Romero: Marqués Henri de Labordere
Sara Montiel: Nina
George Macready: Emperador Maximiliano
Jack Elam: Tex
Ernst Borgnine: Donnegan
Henry Brandon: Capitán Danette
Charles Bronson: Pittsburgh

Música: Hugo Friedhofer
Productora: Hecht-Lancaster Production (USA)

Por Jesús Cendón. NOTA: 8

“Corazón blando” “Sólo para los caballos” (Conversación entre Joe Erin y Benjamin Trane tras haber acabado el segundo con su caballo para evitarle sufrimientos).


Estamos ante uno de los westerns más influyentes del género, así como fundamental para el desarrollo del mismo, resultado de la unión de dos grandes personalidades: Burt Lancaster y Robert Aldrich.


El primero, al igual que otras estrellas como Kirk Douglas con su Bryna y John Wayne con la Wayne-Fellogs embrión de la Batjac, fue un actor inquieto dispuesto a controlar desde los inicios su carrera profesional, para lo que en 1948, sólo dos años después de su debut en la imprescindible “Forajidos” (Robert Siodmak, 1946), creó la productora Norma (nombre de su mujer), compañía que compaginó con la Hecht-Lancaster, fundada junto con Harold Hecht, a la que se unió James Hill, pasándose a denominar a partir de entonces Hecht-Hill-Lancaster. Fruto de esta unión fueron gran parte de los mejores filmes protagonizados por Burt Lancaster durante la década de los cincuenta en los que supo aunar comercialidad y calidad, como queda patente en títulos del nivel de: “El temible burlón” (Robert Siodmak, 1952), “Chantaje en Broadway” (Alexander McKendrick, 1957), “Mesas separadas” (Delbert Mann, 1958), “Torpedo” (Robert Wise, 1958) o “Los que no perdonan” (John Huston, 1960).


Por su parte Robert Aldrich, con el que Burt Lancaster había trabajado en “Apache” también producida por su compañía, fue uno de los mayores exponentes de la denominada “Generación de la violencia” (Don Siegel, Richard Fleischer, Anthony Mann, Nicholas Ray o Sam Fuller) caracterizada por presentar la violencia de forma más realista y por estar protagonizadas sus historias por personajes definidos por su comportamiento agresivo. El hoy algo olvidado director tuvo un inicio de carrera fulgurante, encadenando cinco cintas de la calidad de “Apache” y “Veracruz” (ambas de 1954), “El beso mortal” y “The big Knife” (las dos de 1955) y “Attack” (1956), para dejar huella de su impronta cinematográfica, con los altibajos lógicos, durante tres décadas y más de veinticinco películas.


ARGUMENTO: Dos aventureros Benjamín Trane, un ex oficial confederado arruinado por la guerra, y Joe Erin, un temible pistolero al mando de una banda de forajidos, deciden vender sus servicios a Maximiliano en su lucha contra los juaristas. Encargados de escoltar a la condesa Marie Duvarre, los problemas surgirán cuando descubran que en realidad están trasportando tres millones de dólares en oro.

Creo que el adjetivo que mejor define a este filme es moderno, ya que contiene una serie de elementos, más o menos novedosos, desarrollados posteriormente tanto por el western norteamericano como por las películas del oeste europeas.


- En primer lugar tenemos el marco geográfico: México. Así a partir de mediados de los cincuenta proliferarán los westerns protagonizados por aventureros y ambientados en este país norteamericano, tanto durante la monarquía de Maximiliano I (1863-1867) como durante el proceso revolucionario de comienzos del siglo XX. Entre otras destacan “El tesoro de Pancho Villa” (George Sherman, 1955); “Bandido” (Richard Fleischer, 1956) y “Más allá de Río Grande” (Robert Parrish, 1959) interpretadas por Robert Mitchum; o las ya reseñadas en este blog “Mayor Dundee” (Sam Peckinpah, 1964), “Los profesionales” (Richard Brooks, 1966) y “Grupo salvaje” (Sam Peckinpah, 1969). E incluso en Europa a finales de la década de los sesenta dará lugar a un subgénero, con una profunda carga ideológica, denominado Zapata-western con títulos tan destacados como “Yo soy la revolución” (Damiano Damiani, 1967) o “Tepepa” (Giulio Petroni, 1969), por citar dos ejemplos.


- Una visión más realista de los personajes alejados de la división maniquea entre positivos y negativos y del prototipo de héroe clásico. De esta forma se nos presenta a los protagonistas del filme como dos individuos amorales cuyo único objetivo en tierra mexicana es la obtención de un beneficio económico. Benjamin Trane, encarnado con su carisma habitual por Gary Cooper, es un ex oficial confederado arruinado tras la Guerra de Secesión que dejó sepultado su idealismo junto a su hacienda destruida y prefiere el dinero ofrecido por Maximiliano al romanticismo y a la nobleza de la causa defendida por el general juarista. Persona culta, con gran capacidad para la negociación (obtiene del emperador el doble de la cantidad inicialmente ofrecida) y hombre de palabra, será el único que evolucione favorablemente apoyando la causa revolucionaria con la que se había comprometido previa promesa de recibir 100.000 dólares. Por lo que respecta a Joe Erin, interpretado por Burt Lancaster de forma dinámica y expresiva, es un pistolero tan sólo fiel a sí mismo (llega a decir a uno de sus hombres: “Yo no tengo amigos Donnegan. Ni siquiera tú”), un fullero brabucón para el que la traición es norma de vida. La relación entre ambos queda definida magistralmente en la primera escena en la que Erin vende a Trane un caballo que no es suyo, para inmediatamente después el segundo robarle su montura al primero. El tercer vértice del triángulo le corresponde a la Condesa Duvarre, a la que dio vida la actriz francesa Denise Darcel en un papel muy diferente al que protagonizó en “Caravana de mujeres”. Se nos muestra como una auténtica femme fatale, una mujer ambiciosa y manipuladora con sus propios planes para quedarse con el dinero que no dudará en servirse de sus encantos para utilizar a los dos pistoleros.


- Con base en estos personajes la película aborda como temas principales la avaricia, la codicia y la traición; estableciéndose un juego entre los tres personajes principales basado en la desconfianza y el engaño con el objeto de apropiarse cada uno de ellos de la totalidad del botín. Esquema argumental adoptado por Sergio Leone, que siempre reconoció la influencia de esta película, en “El bueno, el feo y el malo” al situar, como este filme, a tres personajes codiciosos en un marco histórico concreto (en su caso la Guerra de Secesión) buscando un botín y traicionándose continuamente.


- El tratamiento de la violencia. Cualidad inherente a los protagonistas, unos seres desarraigados (Trane reconoce que la guerra no sólo destruyó su hacienda sino su forma de vida), que viven al filo de la barbarie y que se resisten a ser absorbidos por la civilización, será presentada de forma más brutal, directa y difícilmente controlable.


- Por último la dirección de Aldrich, más enfática, y su forma de encuadrar y utilizar el montaje; cuyo mejor ejemplo lo constituye la planificación del duelo final entre Erin y Trane en el que alterna sucesivamente planos de conjunto, encuadrando a los dos protagonistas, con primerísimos planos y planos detalle de las caras y las armas y manos de ambos contendientes. Duelo que remite necesariamente a los filmados por Sergio Leone aunque sin la dilatación del tiempo y la magistral utilización de la música del director romano.


“Veracruz” por tanto es, a pesar de sus imperfecciones entre las que destaca el desequilibrio existente entre los actores y actrices principales o la dirección un tanto descuidada de algunas escenas como la del ataque al convoy en un pueblo, una obra capital para comprender la evolución de este género durante la segunda mitad de la década de los cincuenta, los años sesenta e, incluso, parte de los setenta de cuya trama François Truffaut dijo que funcionaba como un reloj suizo; por lo que es de visión obligatoria para los amantes del western.


Como curiosidad contaros que Sara Montiel, por aquella época casada con Anthony Mann, debutó en Hollywood con esta película. Posteriormente rodaría “Dos pasiones y un amor” (Anthony Mann, 1956) y “Yuma” (Sam Fuller, 1957). Para a continuación regresar a España y continuar su exitosa carrera con “El último cuplé” (Juan de Orduña, 1957).



miércoles, 4 de mayo de 2016

LA VENGANZA DE ULZANA

(Ulzana's Raid) - 1972

Director: Robert Aldrich
Guion: Alan Sharp

Intérpretes:
Burt Lancaster: McIntosh
Bruce Davison: Teniente Garnett DeBuin
Jorge Luke: Ke-Ni-Tay
Richard Jaeckel: Sargento
Joaquín Martínez: Ulzana
Lloyd Bochner: Charles Gates

Música: Frank De Vol

Productora: Universal Pictures / De Haven Productions
País: Estados Unidos

Por: Güido MalteseNota: 9

Comandante Cartwright: ¿Sabe lo que dijo el general Sheridan de este país, teniente?
Teniente DeBuin: No, señor.
Comandante Cartwright: Dijo: Si yo fuera dueño del infierno y de Arizona, viviría en el infierno y alquilaría Arizona.
Teniente DeBuin: Creo que lo dijo de Texas, señor
Comandante Cartwright: Tal vez, pero se refería a Arizona!

Moribundo ya el western clásico desde el inicio de la década de los 60, con los Estados Unidos metidos de lleno en la guerra de Vietnam y con una sociedad cada vez más crítica y reacia a las políticas establecidas, las “películas del Oeste” tomaron otros derroteros muy alejados del conservadurismo y éticas del género (en esto también tuvo mucho que ver el Western europeo). Podríamos decir que surgió una “generación violenta”, encabezada por Peckinpah y apoyada por Brooks, Siegel, Aldrich, etc...



Y, aunque no consiguieron reflotar el género, nos dejaron un buen puñado de magníficos films, entre ellos el que hoy nos ocupa que, para mí, es el mejor “western no clásico” que existe... y paso a explicaros el porqué de mi opinión:

Recordemos que Aldrich y Lancaster ya habían trabajado juntos en la gran “Veracruz” y en la sobrevalorada “Apache”, ambas de 1954. Bien, pues casi veinte años después, se vuelven a unir (Aldrich en la dirección y Lancaster en la interpretación y producción) para dar vida a uno de los westerns más violentos, crueles, ásperos y brutales que podamos encontrar. Y con un presupuesto bastante ajustado, cosa que en algunas escenas es bastante obvio, consiguen rodar un gran film que no tuvo mucho éxito en su día, pero que el tiempo ha puesto en su lugar y, a día de hoy, no solamente se le hace justicia en cualquier ranking del género, es que además se ha convertido en una película de culto.



Los que sois asiduos de este blog, ya sabéis mi debilidad por los westerns que tratan sobre la amistad, el honor, la lealtad, etc... Bien, pues tengo otra pasión desmesurada: Los indios y, especialmente, los apaches. Pero no esos apaches pulcros, limpios, bien peinados y con ropajes impecables e interpretados por blancos con crema de zanahoria en la cara (véase a Jeff Chandler en “Flecha Rota”, Chuck Connors en “Gerónimo”, o el propio Lancaster en “Apache”, por ejemplo) que me parecen bastante ridículos y muy alejados de la realidad. Y aunque ningún apache cinematográfico se aproxima a todo lo que he leído sobre ellos, algunos directores supieron darles más realismo y veracidad. Los apaches de John Ford ya eran bastante creíbles y fue muy imitado en filmes posteriores que trataban el tema (“Hondo” de Farrow, “Fort Bravo” de Sturges o “Rifles Apaches” de Witney). Pero es a mediados de los 60 cuando se “perfecciona” el apache en los westerns (“Rio Conchos”, “Mayor Dundee”, “Duelo en Diablo”, etc...) y a principios de los 70, concretamente en el 72, cuando aparece el, en mi opinión, “apache perfecto” en el film que nos ocupa. Esta es, sin la menor duda, la mejor película de apaches que existe.



Pero vamos ya con “La venganza de Ulzana” que es lo que nos interesa....
El jefe apache Ulzana y unos cuántos guerreros escapan de la reserva para dirigirse a México, aunque asolarán todo lo que encuentren a su paso. El ejército recurre al maduro y experimentado explorador McIntosh para darle caza. Sabemos de las intenciones de Ulzana con un corto diálogo en el que un capitán se pregunta “¿y sus probables intenciones?” a lo que McIntosh le contesta “Sus probables intenciones son quemar, mutilar, torturar, violar y matar”. De esa manera, Aldrich nos adelanta lo que va a ser el film a grandes rasgos.



Un joven teniente recién salido de la academia y con fuertes convicciones religiosas es puesto al mando del pelotón de soldados que, guiados por McIntosh y el scout apache Ke-Ni-Tay, se ponen en marcha para detener la partida de guerra de Ulzana.



Mientras tanto, Ulzana ya ha atacado a los soldados que salieron para avisar a los colonos y a estos últimos. En estos ataques, aparte de una violencia bastante cruda por parte de los apaches, se nos muestra su habilidad para la estrategia y el engaño. Cómo hacen creer al colono atrincherado en su casa que llega la caballería cuando es el propio hijo de Ulzana el que toca la corneta que lleva al cinto.



En esta primera parte, tanto las matanzas de los apaches como los comentarios entre el teniente DeBuin (“¿se enfrentará a nosotros?”) y McIntosh (“No quiere enfrentarse, sólo quiere matarles”) nos hacen ver al apache como un ser despreciable, cruel y despiadado. Los colonos torturados, el soldado al que le sacan el corazón y juegan con él, la mujer violada salvajemente, los sentimientos de los soldados según van descubriendo las matanzas....parece ser que estamos ante un western “anti-indio”.



A medida que se van acercando a los apaches, el sentimiento cristiano del teniente se va tornando en odio hacia ellos (McIntosh: “es como odiar al desierto porque no tiene agua, por ahora me conformo con tenerles bastante miedo”) y lo refleja en Ke-ni-tay, descargando sobre él toda su frustración al ver tambalearse sus creencias (“Cristo nos enseño que todos somos hermanos” a lo que el sargento le contesta “Pero Cristo no tuvo que desatar a un niño de un cactus y esperar dos horas a que muriera”) y asistir con horror al rastro de sangre que van encontrando. Los diálogos entre McIntosh y DeBuin o entre DeBuin y Ke-ni-tay son uno de los puntos fuertes de la película. La juventud e inexperiencia de DeBuin, la madurez y claridad de McIntosh y la calma y serenidad de Ke-ni-tay consiguen, poco a poco, darle la vuelta a la tortilla....no, no es un western anti-indio ni proindio, es más bien una visión del enfrentamiento de culturas, incluso una crítica a la sociedad americana de la época. Y el punto central de todo ello es el teniente DeBuin, que “guiado” por los dos exploradores, va creciendo personalmente y acaba con una visión mas respetuosa hacia la “otra” cultura.



El final del film es grandioso, la muerte para lo viejo, lo que se acaba y la vida para lo nuevo, lo que empieza. McIntosh y Ulzana dejan paso a DeBuin y Ke-ni-tay. El racismo y el choque de culturas se mutan hacia el entendimiento y el respeto mutuo. Con este comentario está claro que estamos ante un western crepuscular ¿no?



Burt Lancaster está inmenso a lo largo de todo el metraje, eclipsando a todo lo que le rodea y Jorge Luke perfila perfectamente su papel. La compenetración entre ambos es evidente, sólo con miradas se expresan y se entienden. Bruce Davison correcto en su rol de joven teniente al que le asaltan mil dudas sobre sus creencias. Y perfecto Joaquín Martínez como Ulzana, logrando una credibilidad fuera de toda duda. Mencionar también a un eterno secundario, Richard Jaeckel, que cumple perfectamente como suele ser habitual en él.



La labor de dirección es encomiable, apoyada perfectamente por la fotografía y los áridos paisajes de Arizona, logrando introducirnos en la dureza de una naturaleza hostil y nada benevolente, en la que el apache se desenvuelve como pez en el agua. Un buen guión, que nos mantiene expectantes hasta el final, con unos diálogos magistrales y unas situaciones perfectamente entendibles, a pesar de no ser del todo explícitas (Cuando McIntosh le pregunta al teniente si sabe liar un cigarrillo y, ante la respuesta negativa, murmura “ya aprenderá”, al igual que aprenderá a comprender y valorar el mundo que le rodea.



Mención especial a las distintas tácticas que van empleando los apaches para burlar al enemigo, cómo dejar viva a una mujer para retrasar a los perseguidores, la ya citada corneta o saltar de los caballos sin detenerlos para colocarse a espaldas de sus enemigos. Sublime la explicación de Ke-ni-tay sobre la manera de los apaches para hacerse con la fuerza y el poder de sus enemigos, o de cómo Ulzana debe incrementar el botín de su partida si no quiere que le abandonen y vuelvan a la reserva.



Quizás lo más flojo sea la música, pero no es algo notorio ni imprescindible, ya que la dirección de Aldrich, la actuación de Lancaster y el guión de Sharp se encargan de llevar el peso del film.



En definitiva, un gran western, crepuscular, violento y duro, con una visión de los apaches que se aleja, mucho y para bien, del clasicismo y la simplonería de décadas anteriores. Indispensable para cualquier aficionado al género.

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Por: Xavi J. PruneraNota: 8

“La venganza de Ulzana” está rodada a principios de los 70, cuando en Estados Unidos los hippies condenaban la intervención militar en Vietnam, cuando la violencia y la sexualidad más explícitas empezaban a hacer acto de aparición en el cine y cuando el eco crepuscular de Peckinpah y Leone estaba más en boga que nunca. Inmerso en dicho contexto cultural e histórico, pues, no debería extrañarnos en absoluto que un cineasta del calibre y personalidad de Aldrich firmara en 1972 un enorme western. Uno de los más ásperos y violentos que he visto en mi vida.



Así pues, partiendo de una trama argumental más bien sencilla (la de un batallón del ejército y un avezado explorador que persiguen a un grupo de apaches, liderados por Ulzana, que se han fugado de la reserva donde estaban confinados) Aldrich construye una historia muy sólida y profunda la que se entremezclan temas tan diversos como el odio, la xenofobia, la violencia, la religión, la moralidad o el progreso. Temas, todos ellos, que Aldrich desarrolla a través de una prosa tan áspera y descarnada como la de los áridos y polvorientos paisajes de esa infernal Arizona que vamos contemplando —pausada y reflexivamente— a lo largo de esta peli. Una Arizona que, para unos (el joven teniente Garnett), delimita el lugar y el recorrido físico y metafórico de su particular viaje iniciático y que, para otros (McIntosh, el explorador), simboliza el fin de una era. La última misión de un hombre tan cansado como curtido en mil y una batallas.



Y aunque podría estar horas y horas hablando acerca de los mil y un detalles que podemos observar en este espléndido western, intentaré ser breve y me limitaré a sintetizar lo que más me ha impresionado de “La venganza de Ulzana”. La brutal violencia entre dos culturas irreconciliables, por ejemplo. Un choque que Aldrich plasma cruelmente en esa secuencia en la que un soldado prefiere meterle una bala entre ceja y ceja a una mujer y volarse la tapa de los sesos a continuación antes que caer prisioneros de los apaches. O en esa magnífica conversación entre Garnett y Ke-Ni-Tay, el joven explorador indio, sobre el violento proceder de su tribu. Tampoco me gustaría olvidarme de la compleja composición de los personajes principales (sobre todo el de McIntosh, interpretado por un soberbio Burt Lancaster), de ese estratégico juego del gato y el ratón entre la caballería y los apaches o del montón de frases lapidarias que podréis escuchar en este magnífico western. Frases como “Si yo fuera propietario del infierno y de Arizona viviría en el infierno y alquilaría Arizona”. Casi nada. Pero si debo resaltar un solo detalle por encima de todos los demás, creo que es de cajón que lo haga con su final. Poético y demoledor como pocos. ¿Necesitáis más razones?

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FOTOS:

























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